현대를 정의하는 25개의 예술 작품

세 명의 작가와 두 명의 큐레이터가 한자리에 모여 그 시대의 주요 작품 목록을 만들었습니다. 다음은 그들의 대화입니다.

최근 6월 T매거진은 2명의 큐레이터와 3명의 아티스트를 모았습니다.데이비드 브레슬린 , 휘트니 미술관 소장 소장; 미국의 개념 예술가마사 로슬러 ; 켈리 탁스터 , 유대인 박물관의 현대 미술 큐레이터; 태국의 개념 예술가리크리트 티라바니자 ; 그리고 미국 예술가토리 손튼— 뉴욕 타임즈 빌딩에서 누가, 어디서나, 현대 시대를 정의하는 25개의 포스트 1970 작품으로 간주되는 것에 대해 논의했습니다. 할당 범위는 의도적으로 광범위했습니다. "현대적"이라고 부를 수 있는 것은 무엇입니까? 개인적인 의미를 지닌 예술 작품이었습니까, 아니면 그 의미가 널리 이해되었습니까? 이러한 영향이 비평가들에게 널리 인정받았습니까? 아니면 박물관? 아니면 다른 아티스트? 처음에는 참가자 각자에게 10점의 작품을 지명하도록 요청받았습니다. 아이디어는 모든 사람이 회의에서 논의할 마스터 목록을 만들기 위해 각 목록을 평가하는 것이었습니다.

시스템이 무너진 것은 당연합니다. 일부는 예술을 감상하는 것이 불가능하다고 주장했습니다. 10개만 고르는 것도 불가능했습니다. (사실 Rosler는 전체 전제에 반대했지만, 그녀는 마지막에 토론을 위해 목록을 가져왔습니다.) 그러나 모두가 놀랍게도 중요한 중복 부분이 있었습니다. David의 작업 Hammons, Dara Birnbaum, Felix Gonzalez-Torres, Dan Waugh, Kady Noland, Kara Walker, Mike Kelly, Barbara Kruger 및 Arthur Jafa가 여러 번 인용되었습니다. 그룹이 어떤 형태로든 합의에 이르렀습니까? 그들의 선택이 오늘날 중요한 것에 대한 우리의 가치, 우선 순위 및 공유된 비전을 반영합니까? 예술가가 아닌 예술 작품에 초점을 맞추는 것이 다른 틀을 허용하는가?

1. Sturtevant, "워홀의 꽃", 1964-71

Sturtevant(1969–70)의 워홀 꽃. 크레딧 © Estate Sturtevant, 갤러리 Thaddaeus Ropac, 런던, 파리, 잘츠부르크 제공

전문적으로 그녀의 성으로 알려진 Elaine Sturtevant(b. Lakewood, Ohio, 1924; d. 2014)는 Richard Prince가 그의 첫 말보로 광고와 Sherry Levine을 촬영하기 10여 년 전인 1964년에 다른 예술가들의 작품을 "복제"하기 시작했습니다. 에드워드 웨스턴의 초상을 차용했다. 그녀의 타겟은 잘 알려진 남성 예술가들이었습니다(주로 여성의 작업이 덜 널리 알려졌기 때문입니다). 그녀의 경력 동안 그녀는 Frank Stella, James Rosenquist 및 Roy Lichtenstein의 캔버스를 모방했습니다. 당연히 Andy Warhollow는 저자와 독창성에 대한 대담한 이해를 바탕으로 Sturtevant 프로젝트를 지원하고 그녀에게 그의 꽃 스크린 중 하나를 빌려주기까지 했습니다. Claes Oldenburg를 포함한 다른 예술가들은 놀라지 않았고 수집가들은 대체로 작품 구매를 기피했습니다. 그러나 점차 예술계는 정경을 베끼는 그녀의 개념적 이유를 이해하게 되었습니다. 즉 독창성과 예술가에 대한 위대한 모더니스트 신화를 뒤집기 위한 것입니다. Sturtevant는 대량 생산에 대한 논평과 진위의 의심스러운 본질에 대한 팝 아트에 중점을 두어 장르를 완전히 논리적으로 확장했습니다. 장난스럽고 전복적이며 패러디와 오마주 사이 어딘가에 있는 그녀의 노력은 젊은 예술가들이 오래된 거장을 베끼는 수세기 전의 전통을 반영하기도 합니다.

2. Marcel Brodtaers, 현대 미술관, Aigle 부서, 1968-1972

1969년, 문화 노동자 연합인 게릴라 예술 행동 그룹은 가족이 무기(화학 가스 및 네이팜) 생산에 관여했다고 믿고 현대 미술관 이사회에서 록펠러의 사임을 요구했습니다. 베트남을 위해. 1년 후 Hans Haacke(f. Cologne, Germany, 1936)는 박물관 내부에서 싸움을 시작했습니다. 그의 원래 MoMA 투표 설치는 참석자들에게 두 개의 투명한 투표함, 투표용지 및 다가오는 주지사 선거에 대한 질문을 제기하는 표지판을 제공했습니다. 11월에 그를 위해? (전시회가 닫힐 즈음에는 "아니오"보다 "예"라고 답한 출품업체가 약 두 배나 많았습니다.) MMA는 작업을 검열하지 않았지만 모든 기관이 그렇게 관대하지는 않았습니다. 1971년, 개관 3주 전 구겐하임 미술관은 독일 예술가가 세 개의 도발적인 작품을 촬영하지 않았다면 최초의 주요 국제 개인전이 될 예정이었기 때문에 취소되었습니다. 같은 해 쾰른의 Wallraf-Richard Museum은 나치 동조자들이 박물관에 기증한 Édouard Manet의 그림의 기원을 조사한 Manet Project '74의 전시를 거부했습니다.

테살리 라 포스: 이곳에는 박물관의 설립을 제대로 엿볼 수 있는 작품이 하나 있습니다. Rirkrit, 당신은 Marcel Broadtaers의 작품을 나열했습니다.

리크리트 티라바니아: 이것은 적어도 나에게는 기관 파괴의 시작입니다. 나에게 있어 서양미술의 시작은 이런 종류의 지식 축적에 대한 질문이다. 나는 이 목록에 있는 Hans Haack도 좋아합니다. 확실히 내 목록에 있지만 나는 그것을 넣지 않았습니다.

마사 로슬러: 나는 그것을 떨어뜨렸다. Hans는 이것이 시스템의 일부임을 청중에게 보여주었습니다. 그들의 의견과 그들이 누구인지에 대한 정보를 수집함으로써 그는 그림을 그릴 수 있었습니다. 에 대해 생각하는 데 관심이 있는 모든 사람에게 변형적이고 흥미로울 것이라고 생각했습니다.WHO 그런 예술의 세계. 또한 완전히 데이터 기반이었고 미학적으로 유쾌하지 않았기 때문입니다. 예술 세계 자체가 우리는 누구인가? 예술계가 일관되게 인정하기를 거부한 것들이 체계적인 문제라고 사람들에게 체계적으로 생각할 여지를 주었다.

4. 필립 거스턴, 무제(불쌍한 리처드), 1971

Richard Nixon은 1971년 Philip Guston(b. Montreal, 1913; d. 1980)이 대통령의 집권과 파괴적인 재임 기간을 묘사한 거의 80편의 만화로 이루어진 놀랍고 모호한 시리즈를 만들면서 재선되었습니다.Guston의 가는 선 그림에서 남근 코와 고환 볼을 가진 Nixon이 Key Biscayne을 항해하고 Henry Kissinger를 안경으로 포함하는 풍자 만화 정치인과 함께 중국에서 외교 정책을 수립하는 것을 봅니다. 대통령의 반려견 체커스도 카메오로 출연한다. 거스턴은 닉슨의 비통함과 불성실함을 포착하여 권력 남용에 대한 신랄한 명상을 만듭니다. 지속적인 관련성에도 불구하고 이 시리즈는 1980년 아티스트가 사망한 후 Guston의 스튜디오에서 20년 넘게 시들했습니다. 마침내 2001년에 전시되고 출판되었습니다. 최신 드로잉은 2017년 런던에서 열린 Hauser & Wirth 전시회에서 선보였습니다.

TLF: 내 큰 질문으로 돌아가 보겠습니다. "현대"라는 단어는 무엇을 의미합니까? 누구든지 이것을 찔러보고 싶습니까?

RT: Philip Guston의 Nixon 시리즈 드로잉이 완전히 현대화되었다고 생각합니다.

토리 손튼: 일종의 거울.

RT: 오늘 우리가 보고 있는 것에 대해 이야기하는 것과 같습니다.

TLF: 글쎄, 나도 같은 질문이 있습니다. 일부 예술 작품에는 시간이 지남에 따라 변하는 능력이 있습니까? 일부는 호박색에 갇혀 특정 순간의 거울로 남아 있습니까? 당신이 설명하는 것은 Guston의 그림과 드로잉의 의미를 변화시키는 현재의 사건입니다.

켈리 탁스터: 나는 그것이 확실히 일어날 것이라고 생각합니다.

씨: 기관에 관한 모든 것입니다. 당신이 거스톤의 훌륭한 연극을 언급했을 때 나는 "그래, 하지만 같은 것에 대한 적어도 두 개의 비디오가 있다"고 생각했다. "TV Gets People"[Richard Serra와 Carlota의 1973년 단편 영화 The Schoolboy]은 어떻습니까? 나는 또한 닉슨에 대해 TV에서 방영된 "Four More Years"(1972년 공화당 전당대회에 관한 다큐멘터리)와 "The Eternal Frame"[Ant Farm과 TR Uthco에 의한 1975년 JFK 암살을 풍자한 것]도 생각하고 있습니다. , 케네디에 대해.

TLF: 목록에 그림이 많지 않습니다.

CT: 아니. 와. 이틀이 지나서야 깨닫지 못했다. 저는 그림 그리는 것을 좋아합니다. 여기가 아닙니다.

TLF: 그림 토리가 아니야, 당신은 컨템포러리 아티스트입니까?

티: 그건 오래 됬어. 모르겠어요. 나는 어떤 유형의 그림이 시작되었는지 살펴보고 누가 시작했는지 확인하려고 했습니다.

RT: 나는 내 목록에 Guston을 포함했습니다.

데이비드 브레슬린: 내 긴 목록에는 게르하르트 리히터의 주기 Baader-Meinhof["1977년 10월 18일"이라고 하는 일련의 그림이 있습니다. 이 그림 시리즈는 1988년에 리히터가 제작한 독일 좌익 투사 단체인 적군 파벌의 구성원 사진을 기반으로 했습니다. 1970년대는 폭탄 테러, 납치, 살인을 자행했습니다.] 이것은 반문화 교육의 역사를 말해줍니다. 누군가가 대안이 무엇인지 평화롭게 보여주지 않기로 결정한 것처럼. 여러 면에서 이러한 것들 중 일부는 10년 후에야 기록되거나 생각할 수 있었습니다. 그렇다면 합동 행동의 특정 순간을 적시에, 그리고 지연된 순간에 어떻게 생각할 수 있습니까?

CT: 나는 모든 여성 화가에 대해 생각했습니다. 나는 Jacqueline Humphreys, Charlene von Hale, Amy Silman, Laura Owens를 생각했습니다. 여성은 추상화라는 매우 어려운 작업을 수행하고 그것에 의미를 부여합니다. 내가 보기에는 중요한 풍경의 여성들이 진지하게 내기를 한 것 같습니다. 아마도 이 사람들 중 한두 명이 이 목록에 포함될 자격이 있지만 어떤 이유에서인지 나는 그들을 포함하지 않았습니다.

DB: 이것은 사람에 비해 노동 활동의 문제입니다.

CT: 하지만 나는 Charlene의 사진을 한 장 고를 것입니까? 난 그냥 워싱턴의 허쉬혼 박물관에서 이 쇼를 봤고 지난 10년 동안의 모든 그림을좋은 . 하나가 다른 것보다 낫습니까? 이것이 핵심이라고 생각하는 것은 이러한 관행과 추상화에 대한 담론, 그리고 여성이 이를 사용하여 하는 일입니다.

5. 주디 시카고, 미리암 샤피로와 페미니스트 미술 프로그램 CalArts, "Womanhouse", 1972

Womanhouse는 단 한 달 동안 지속되었으며 획기적인 예술 프로젝트 - 버려진 할리우드 맨션에 방 크기의 설치 - 몇 가지 유형의 흔적이 남아 있습니다. 미술사가 Paula Harper가 구상하고 Judy Chicago(b. Chicago, 1939)와 Miriam Shapiro(f. Toronto, 1923, d. 2015)가 이끄는 공동 프로젝트는 최초의 페미니스트 공연을 한 학생과 예술가를 모았습니다. 그리고 하나의 급진적인 맥락에서 그림, 공예 및 조각을 만들었습니다. 물이나 열 없이 오랜 시간 일하면서 예술가와 학생들은 황폐한 건물을 개조하여 수많은 설치물을 수용하고 6개의 공연을 선보였습니다. 시카고의 '월경 목욕'은 방문객들을 피에 젖은 것처럼 페인트 칠한 탐폰이 넘치는 쓰레기통으로 안내했습니다. Faith Wilding은 풀, 나뭇가지, 잡초로 고치와 유르트 사이 어딘가에 거미줄 같은 큰 쉼터를 뜨개질했습니다. 전반적으로 작품은 여성의 집단적 삶의 역사와 가족, 젠더, 젠더와의 관계에 관심을 가진 여성 작가들에게 새로운 패러다임을 제시했다.

TLF: 흥미로운 점은 여기 있는 모든 것이 순수하게 예술이라는 것입니다. 아무도 구부러진 공을 던지지 않았습니다.

CT: '우먼하우스'는 예술인가? 모르겠어요.

씨: 이것이 예술이 아니면 무엇입니까?

CT: 글쎄, 예전 방식이었다. 미술학원에서 나왔습니다. 일시적이었다. 왔다갔다 하는 곳이었습니다.

씨: 전시 공간이었습니다. 집합적인 설정이 되었습니다.

CT: 그러나 그 다음에는 모든 것이 사라졌고 최근까지 사용할 수 있는 문서가 거의 없었습니다... 저는 그것이 예술이라고 생각합니다. 나는 그것을 거기에 넣었다. 물론 제도화되어 있다.

6. 린다 벵글리스, 아트포럼 광고, 1974

Linda Benglis(b. Lake Charles, English Channel, 1941)는 Artforum이 그녀에 대해 쓴 1974년 프로필에 누드 자화상이 첨부되기를 원했습니다. 당시 편집장이었던 John Coplans는 거절했습니다. 낙심하지 않고 Benglis는 뉴욕 딜러인 Paula Cooper에게 잡지에서 두 페이지 분량의 광고를 내도록 설득했습니다(Benglis는 비용을 지불했습니다). 독자들은 아트포럼 11월호를 열었고, 그을린 벵글리스가 뾰족한 흰색 테두리 선글라스를 통해 시청자를 바라보며 엉덩이를 들어올린 채 포즈를 취하는 것을 보았습니다. 그녀는 다른 것을 착용하지 않고 다리 사이에 거대한 딜도 라구 딜도를 들고 있습니다. 이미지가 난리를 일으켰습니다. 로잘린드 크라우스(Rosalind Krauss), 막스 코즐로프(Max Kozlov), 로렌스 로웨이(Lawrence Alloway), 조셉 마셰크(Joseph Mashek), 아네트 마이컬슨(Annette Michelson) 등 5명의 편집자는 이 광고가 "[여성 해방] 목표에 대한 초라한 조롱"이라고 비난하는 섬뜩한 편지를 이 잡지에 썼다. 비평가 로버트 로젠블럼(Robert Rosenblum)은 아방가르드의 중재자로 자처하는 남성들의 용기를 폭로한 벵글리스를 축하하는 편지를 잡지에 썼다. 맛보기: "드디어 공공 생활 위원회의 건국 아버지의 아들딸들을 옷장에서 꺼낸 벵글리스 씨에게 3개의 딜도와 판도라의 상자를 줍시다.아트포럼 그리고 여성의 에티켓. 이 광고는 예술계에 계속 만연한 성차별과 이중 잣대에 대한 저항의 상징적인 이미지가 되었습니다.

DB: 아무도 Cindy Sherman을 포함하지 않았다는 것이 놀랍습니다. [1977년과 1980년 사이에 Sherman은 "Untitled Film Stills"라고 하는 고정 관념의 다양한 여성 역할에서 포즈를 취하는 일련의 흑백 사진을 찍었습니다.]

CT: 나는 그것으로 너무 힘들었다. 그것은 내가 좋아하는 것 중 하나였습니다. “다른 사람들의 목록에 있을 것입니다. 너무 뻔해서 생략하지 않겠습니다.

TLF: 아무도 하지 않았다.

RT: 글쎄, 나는 Linda Benglis의 Artforum 광고를 가지고 있는데, 이것은 나중에 사진과 관련이 있습니다.

씨: 정말 좋은 일이라고 생각했습니다.

CT: 나는 Sherry Levin의 After Walker Evans를 무대에 올리고 싶었습니다. [1981년 Levin은 Waler Evans의 대공황 시대 사진의 복제품을 전시했으며, 그녀는 진품의 가치에 의문을 제기하면서 재인쇄했습니다. 80년대의 방.

7. 고든 마타-클라크, 1974년 스플리팅

Gordon Matta-Clark(b. New York, 1943; d. 1978)는 코넬 대학교에서 건축을 공부했습니다.1970년대까지 그는 예술가로 일하면서 빈 건물의 조각을 조각하고 빈 공간을 기록하고 절단된 건축물을 전시했습니다. 그 당시에는 버려진 건물을 찾기가 쉬웠습니다. 뉴욕은 경제 불황과 범죄의 상태였습니다. Matta-Clark는 미술품 딜러 Holly Solomon이 뉴저지 교외에 소유하고 있던 철거 예정인 집을 제안했을 때 새 부지를 찾고 있었습니다. Splitting(1974)은 Matta-Clark의 첫 기념비적인 작품 중 하나입니다. 다른 조수들 사이에서 장인 Manfred Hecht의 도움으로 Matta-Clark는 전기 톱으로 전체를 둘로 자른 다음 구조의 한쪽을 구부리는 동안 아래에 있는 콘크리트 블록을 경사지게 한 다음 천천히 다시 아래로 내렸습니다. 집은 완벽하게 분리되어 햇빛이 방으로 들어올 수 있는 얇은 중앙 틈을 남겼습니다. 이 부분은 새 아파트를 만들기 위해 3개월 후에 철거되었습니다. Hecht는 "Gordon과 작업하는 것은 항상 흥미로웠습니다."라고 말했습니다. "죽을 가능성은 항상 있었다."

TLF: 왜 토지 예술이 없습니까?

RT: 유 고든 마타클라크가 있습니다.

씨: 이것은 토지 예술입니까? "Spiral Jetty"[미국 조각가 Robert Smithson이 1970년에 유타주 Roselle Point에 지은 거대한 나선형 진흙, 소금, 현무암]은 흙 예술입니다.

티: 이것은 광기입니다! Berth 100%는 내 목록에 있어야 합니다.

KT: "Field of Lightning"[미국 조각가 Walter de Maria의 1977년 작품으로 뉴멕시코 사막에 400개의 스테인리스 스틸 기둥을 배치한 작품], "Roden Crater"[미국의 벌거벗은 예술가 James Turrell의 작품, 아직 북부에서 눈 천문대를 개발 중입니다. 애리조나

티: 나는 "누가 이것을 볼 수 있습니까? "영향을 준다"는 것은 무엇을 의미합니까, "화면에서 무언가를 보는 데 영향을 미친다"는 것은 무엇을 의미합니까? 나는 "내가 본 것과 내가 집착하는 것을 나열 할 것인가?"라고 생각했습니다. 재생산 또는 일종의 연극 공연.

씨: 전적으로.

티: 나는 산타모니카 박물관에서 마이클 애셔(Michael Asher)의 전시회를 열었습니다. 19, 아래 참조] 하지만 이와 같이 - 일단 사라지면오직재생산 . 당신은 그것을 방문 할 수 없습니다, 그것은 다른 곳으로 이동하지 않습니다.

TLF: 이것은 지구의 예술가들이 던졌던 질문입니다. 그들은 더 이상 오늘날 우리가 던지는 질문이 아닙니까?

티: 더 이상 땅이 없습니다.

씨: 이것은 정말 흥미로운 질문입니다. 주로 우리가 도시로 이사했기 때문에 우리는 도시 전통에 집착하게 되었습니다. 양치기 문제는 도시에도 적용되지만 우리는 잘 모릅니다. 그러나 토지 예술이 유럽에도 있었다는 것을 착각하고 있습니까? 네덜란드 예술가와 영국 예술가가 있었습니다.

RT: 그렇습니다. 아직 거기.

씨: 랜드 아트는 흥미로운 방식으로 국제적이었습니다. Blue Marble[1972 Apollo Earth 팀이 찍은 지구 사진]과 일치했습니다.

TLF:전체 지구 카탈로그 .

씨: 틀림없이. 사회 공간이 아닌 실제 사물로 구성된 전체 지구라는 개념.

RT: 아마도 그것은 재산과 부에 대한 이러한 생각과도 관련이 있습니다. 토지의 가치와 용도가 변경되었습니다. 이전에는 몬태나로 가시면 됩니다.

씨: 일부 캐딜락을 묻어.

RT: - 큰 구멍을 파십시오. 내 말은, Michael Heizer는 여전히 물건을 만들고 있지만 지금은 인테리어일 뿐입니다. 그는 단지 우주에서 큰 바위를 만듭니다. 다른 한편으로, 이것이 Smithson이 흥미로운 이유입니다. 지금은 거의 노사이트(no-site)와 같기 때문입니다. , 사진 또는 사이트맵과 함께 갤러리에 표시됨].

TLF: 그렇다면 Gordon Matta-Clark를 포함시킨 이유는 무엇입니까?

RT: 나에 대한 언급은 많지만 '이별'은 내가 생각하는 모든 것에 영향을 미친다고 느낀다. Separation으로, 그것은 만화 결말과 같습니다. 또한, 집이 쪼개지고, 추수감사절에 사람들이 더 이상 함께 앉을 수 없게 된 상황이 벌어지고 있습니다.

8. 제니 홀저, 트루이즘, 1977-79

Jenny Holzer(b. Gallipolis, Ohio, 1950)는 250개 이상의 불가사의한 원칙, 간단한 명령 및 통찰력 있는 관찰을 통해 "Truisms"를 편집하기 시작했을 때 25세였습니다. 세계 문학과 철학에서 따온 일각적 명제 중 일부는 명제("모든 과잉은 부도덕하다")이고, 다른 명제는 우울하다("이상은 특정 연령이 되면 평범한 목표로 대체된다"), 일부는 반말로 반복된다. 구운 진부함. 포춘 쿠키에서 찾을 수 있습니다("당신에게는 하나의 큰 열정이 있어야 합니다"). 가장 공명하는 것은 "권력 남용은 놀라운 일이 아닙니다." 미드타운 맨해튼 전역의 실제 광고에 붙인 포스터로 인쇄한 후, 홀저는 야구 모자와 티셔츠를 비롯한 오브제에 이를 재현했습니다. 셔츠와 콘돔. 그녀는 1982년 타임스퀘어에 있는 거대한 스펙타컬러 LED 보드에 그것들을 투영했습니다. 디지털 시계와 화면을 떠올리게 하는 더 작은 스크롤 표시로 도시 환경에서 지속적으로 정보를 제공하고 생각해야 할 내용을 알려줍니다. Holzer는 전자 간판, 벤치, 발판 및 T-셔츠에 통합하여 오늘날에도 Truisms를 계속 사용하고 있습니다.

DB: Thessaly, 당신이 트럼프가 그 방에 있었는지 이전에 물었을 때, 그것이 내가 Jenny Holzer를 만나러 갔던 이유입니다. 원래 반복에서 "truisms"는 사람들이 붙인 거리 포스터였습니다.

씨: 그러나 그것들은 결코 예술계의 물건이 아니었습니다.

DB: 나는 동의한다. 그들은 휘트니의 독립적인 연구 프로그램에서 탈퇴했습니다. 그러나 나는 그것이 작업이 다른 공명을 취하는 곳이라고 생각합니다. 원래 의도는 이러한 코드가 자유롭게 떠다니고 물론 무의식적이라는 것입니다. 그러나 이제는 누군가가 이러한 진실을 끊임없이 수집하고 있다는 생각, 이것이 무의식의 목록이 아니라는 생각이 이 작업에서 실제로 살아 있다고 생각합니다.

씨: 이것은 흥미로운 가설입니다. 내가 바바라 크루거를 선택한 이유[No. 11, 아래 참조], 오히려 그녀가 이런 종류의 펑크 스트리트 포스터로 패션계 타이포그래피의 흥미로운 충돌을 만들었다고 생각합니다. 그녀는 실제로 사람들이 현명하게 말하는 것을 말하지만 예술계에서는 결코 말하지 않습니다. "당신의 눈이 내 얼굴에 떨어집니다." 또는 모든 종류의 페미니스트 주제: "당신은 다른 남성의 피부를 만질 수 있는 복잡한 의식을 만듭니다." 누가 그런 말을 합니까? 자본주의가 듣고 싶지 않은 것에 대해 보상을 받을 것이라고 누가 기대합니까? Barbara가 고급 갤러리에 합류했을 때 시장에서 무엇을 해야 할지 전혀 몰랐던 이 모든 불협화음을 다시 포착한 것은 전략의 변화였습니다. 마침내 시장은 이것을 이해했습니다. 예술가가 하게 하면 우리는 그것이 예술이고 괜찮다고 말할 것입니다.

David Hammons(b. Springfield, Illinois, 1943)는 로스앤젤레스의 Otis Art Institute(현재 Otis College of Art and Design)에서 아프리카계 미국인의 삶을 묘사한 것으로 찬사를 받는 예술가 Charles White에게 미술을 공부했습니다. Hammons는 사회 정의의 백인 감각을 흡수했지만 급진적이고 비정통적인 재료를 위해 노력했습니다.초기에 그는 예술의 제도화에 도전하려고 시도했으며 종종 과시적 소비와 공허한 관념을 비판하기 위해 뉴욕의 노점상, 노숙자들과 함께 다양한 크기의 눈덩이를 판매하는 "Bliz-aard Ball Sale"과 같은 임시 설치물을 만들었습니다. 가치의. (극의 정신은 예술계에 대한 그의 참여를 계속해서 알려줍니다. 그는 독점적인 갤러리 대표 없이 작업하고 인터뷰를 거의 허용하지 않습니다.) 1988년에 그는 두 번 출마한 아프리카계 미국인 시민권 운동가인 제시 잭슨 목사를 저술했습니다. 민주당 대선후보. 금발에 파란 눈의 백인 형태의 당. 이듬해 워싱턴 DC 시내에서 작업이 한창일 때 우연히 지나가던 한 무리의 아프리카계 미국인 청년들은 이 그림을 다음과 같이 인식했습니다. 인종차별주의자이며 망치로 부숴버렸습니다. (Jackson은 예술가의 의도를 이해했습니다.) 파괴와 그가 표현한 집단적 고통은 작품의 일부가 되었습니다. 이제 Hammons는 그림을 전시할 때 그 주위에 큰 망치의 반원을 설치합니다.

KT: "Bliz-aard Ball Sale"은 사진과 함께하는 공연입니다. 그것은 Judson Dance Theatre[Robert Dunn, Yvonne Reiner, Trisha Brown 등을 포함하는 1960년대 댄스 회사)와 Happenings[아티스트 Allan Kaprow가 느슨하게 설명하기 위해 만든 용어입니다. 1960년대의 정의된 작품이나 공연 이벤트는 종종 청중을 매료시켰습니다. 그가 어느 정도 관련성을 유지하는 이유는 그의 작업 대부분이 일종의 은밀한 작업이기 때문입니다. 그의 스튜디오는 거리입니다. 최종 답을 내놓지 않고도 그가 하는 일에 대해 오랫동안 이야기할 수 있습니다. 직선을 따르지 않고 일관성이 없을 수 있습니다. 기대를 저버리는 것입니다.

DB: 작업의 상당 부분은 반대의 장소, 물질적으로 또는 작업이 수행되거나 수행되는 장소에서 시작됩니다. 나는 "지금 나를 어떻게 좋아하니?"를 선택했습니다. 대부분 업무를 잘못 이해하는 능력 때문입니다. 어떤 의미에서 이것은 위험 지점입니다. 한 무리의 사람들이 그에게 큰 망치를 가져갔다는 사실 - 왜 일부 사람들은 잭슨을 후보자로 진지하게 받아들이지 않았습니까? 예상되는 것과 그렇지 않은 것 사이의 경계가 흐릿해짐에 따라 Hammons는 항상 관련성이 있습니다.

아저씨:직업이 정말 문제인 것 같아요. 이것은 우리가 예술 세계에 대해 이야기하는 이유를 결정합니다. 이 작품은 공격적이었지만 우리는 명백한 표현에 반해 무언가를 읽는 방법을 이해합니다. 그것은 교육을 받은 우리에 대해 많은 것을 말해주고, 그것이 우리가 그것을 옹호하는 이유 중 하나입니다. 나는 Hammons의 작품을 좋아합니다. 하지만 커뮤니티가 화를 낼 수 있다는 점을 고려하지 않았기 때문에 나는 항상 이 일에 대해 매우 이상하다고 느꼈습니다. 아니면 그는 상관하지 않습니다. 그는 예술가입니다. 그래서 예술계는 이 작품에 대해 예술계와 이야기하고 있습니다. 그러나 대중이 일반적으로 추상을 의미하는 공공 예술, 특히 신비한 공공 예술에 대해 등을 돌리고 있는 바로 그 순간 그의 문제적 모습에 나도 놀랐다. 그러나 그것은 더 나빴습니다. 청중을 웃을뿐만 아니라 웃었습니다.콘크리트 그것이 그의 의도가 아니더라도 대중에게.

Barbara Krueger(b. Newark, 1945)는 1965년에 Parsons School of Design에 잠시 다녔지만 그녀의 진정한 교육은 잡지의 세계였습니다. 그녀는 조수 아트 디렉터로 일찌감치 마드모아젤에서 일하던 것을 그만두고 빠르게 수석 디자이너가 되었으며 하우스 & 가든의 레이아웃 디자인 프리랜서로 전환했습니다., Vogue 및 Aperture 등의 출판물. 이 프로젝트를 통해 크루거는 시청자의 관심을 사로잡고 욕망을 조작하는 방법을 배웠습니다. 미디어, 문화, 이미지의 힘에 초점을 맞춘 Roland Barthes와 다른 이론가들의 열렬한 독자인 Krueger는 1980년대 초반 그녀의 획기적인 작품으로 전문적인 삶과 철학적 견해를 융합했습니다. . 주로 오래된 잡지에서 자른 이미지에 굵은 슬래시를 사용합니다. 그들은 성 역할과 섹슈얼리티, 기업의 탐욕과 종교에 반대합니다. 가장 유명한 소비자 비난 중 일부는 1985년의 "무제"("문화"라는 단어를 들을 때 나는 수표책을 꺼낸다)를 포함하여 그 단어가 복화술사 인형의 얼굴에 부딪쳤다는 것과 "무제(나는 따라서 쇼핑한다) 나)" 1987년부터.

12. Nan Goldin, 성 중독의 발라드, 1985-86.

Nan Goldin(b. Washington, D.C., 1953)이 1979년에 뉴욕으로 이사했을 때 그녀는 Bowery 로프트를 임대하여 세기의 가장 영향력 있는 사진 시리즈 중 하나가 될 사진에 착수했습니다. 그녀의 주제는 그녀와 그녀의 연인, 그리고 그녀의 친구들이었습니다. 우리는 그들이 "섹스 중독의 발라드"를 포함하여 수백 장의 노골적인 이미지에서 싸우고, 화장하고, 섹스를 하고, 화장을 하고, 사진을 찍고, 고개를 끄덕이는 것을 봅니다. Goldin은 처음에 시내 클럽과 바에서 사진을 슬라이드쇼로 공유했는데, 부분적으로는 필요에 따라(그녀는 인쇄할 암실이 없었지만 약국에서 슬라이드를 처리할 수 있었습니다) 부분적으로는 그 장소가 사진 세계의 일부였기 때문입니다. Keith Haring, Andy Warhol 및 John Water를 포함한 컬트 영웅과 동네 스타가 일부 장면에 등장하지만 초점은 어느 날 밤 거의 장님이 될 뻔한 그녀를 구타한 열렬한 남자 친구 Brian을 포함하여 Goldin의 사랑하는 사람들에게 있습니다. "구타 후 한 달 후" (1984)는 가장 관입적인 것 중 하나입니다. 시리즈의 초상화. Goldin은 시리즈를 여러 번 편집하고 재구성하여 결국 Bertolt Brecht의 Trihedral Opera에 있는 노래의 이름을 따서 명명하고 James Brown, The Velvet Underground, Diona Warwick, 오페라, 록 및 블루스가 포함된 재생 목록으로 설정했습니다. 1985년 휘트니 비엔날레에 한 버전이 등장했고, 조리개 재단은 1986년에 골딘의 매우 정직한 글이 포함된 127개의 이미지를 책 형태로 출판했습니다. 10년 후, 이 책에 묘사된 대부분의 사람들은 AIDS나 약물 과다복용으로 사망했습니다. 뉴욕 현대 미술관의 최근 전시회에서 골딘은 그 상실을 암시하는 거의 700장의 사진 시리즈를 완성했습니다. 두 그래피티 해골이 섹스를 하는 장면입니다.

KT:Nan Goldin은 그것이 예술 그 자체이든, 그녀가 하는 일이든, 예술 문화와 그 너머에서 우리가 직면한 문제이든 간에 담론에서 매우 중요한 역할을 계속하고 있습니다. 이 작품 컬렉션은 전체 영역, 전체 사회 구조, 여러 면에서 보이지 않는 전체 사람들 그룹을 가시화했습니다. 그것은 AIDS 위기에 대해 이야기했습니다. 그것은 이상한 문화에 대해 이야기했습니다. 그녀의 학대에 대해 이야기했습니다. 아직도 이슈가 되고 있는 것들을 폭로하는 고백 같은 것이었다.

씨: '섹시'라는 단어가 있습니다. 그것에 대해 조금 이야기하고 싶습니까?

CT: 그것은 그녀와 섹스와 사랑의 관계, 그녀의 친구들과 섹스와 사랑의 관계, 그리고 그것을 푸는 것과 많은 관련이 있습니다. 그것은 많은 더러움과 타락을 가지고 있지만, 동시에 많은 축하를 받기도 합니다. 제 생각에는 더럽거나 그른 것으로 간주될 수 있는 것이 옳고 그름을 볼 수 있는 기회가 있습니다. 나는 이것을 어렸을 때 보았다. 그녀의 지문은 매우 화려하지만 때로는 작품 자체의 자유, 그녀와 함께 찍은 자유의 스냅샷일 뿐입니다.

13. Cady Noland, Ozewald, 1989; "빅 슬라이드", 1989

Cady Noland(b. Washington, DC, 1956)의 작업은 미국 문화의 어두운 구석을 탐구합니다.Big Slide(1989)를 포함한 그녀의 많은 설치물에는 이 나라의 접근, 기회 및 자유에 대한 제한에 대한 암시인 난간이나 장벽이 포함되어 있습니다. (1988년 뉴욕 화이트 칼럼 갤러리에서 열린 Noland의 데뷔 전시회에 입장하기 위해 방문객들은 문을 막고 있는 금속 기둥 아래로 잠수해야 했습니다.) "Usewald"는 존 F. 케네디 대통령 암살자 리 하비 오스왈드의 유명한 사진의 실크 버전을 선보입니다. , 나이트클럽 주인 Jack Ruby에게 총을 맞았기 때문입니다. 8개의 대형 총알 구멍이 표면을 관통합니다. 그 중 하나는 그의 입이 있을 위치에 성조기가 있습니다. 놀랜드는 2000년경 미술계에서 사라졌고, 이는 그녀의 작품만큼이나 그녀의 전업에서 없어서는 안될 중요한 움직임이 되었습니다. 그녀는 갤러리와 박물관에서 오래된 작품을 전시하는 것을 막을 수는 없지만 작가의 동의 부족을 지적하는 면책 조항이 종종 전시회 벽에 표시됩니다. 예전 놀랜드는 일부 작품을 전면 부인하며 시장을 뒤흔들었다. 그녀는 예술계에서 부그맨으로 알려졌지만 그녀의 양심일 수도 있습니다.

ㅇㅇ 몇 년 후 예술가에 대해 많이 생각하면서 그들이 다른 예술가들에게 어떤 영향을 미쳤는지 보기 시작했을 때 그런 일이 일어났습니다. 캐디 놀랜드가 이상하다는 걸 깨달았어어디에나 . 특히 설치 미술과 조각 분야에서. 나는 최근에 그녀가 한 일을 기반으로 하는 것처럼 보이는 많은 일을 보았습니다. 때로는 어떤 일이 특정 시간에 이루어졌다가 다시 돌아와서 다시 관련이 있습니다. 그녀의 작업에는 아메리카나에 대한 포괄적인 비판이나 분석이 있습니다. 그녀의 이름이 돌아왔고 주위에 그리고 주위에 그리고 주위에 있습니다.

씨: 미술계는 항상 그런 식으로 돌아가는 것 아닙니까? 모두가 워홀을 싫어했습니다. 조차~ 후에 토고,어떻게 그는 유명해졌지만 예술계는 "아니오"라고 말했습니다. 그것이 우리가 미니멀리즘을 얻은 이유입니다.

CT: Cady도 저항을 대신하고 있다고 생각합니다. 나는 Cady의 성격과 그녀의 금욕적인 성격과 작업에 대한 접근 방식이 그녀의 작업에 대한 신화 형성의 일부라고 생각합니다. 그녀는 Hammons의 애매한 인물입니다. 그녀는 일에 대해 이야기하지 않습니다.모든 것 나머지는.

DB: 대부분의 작업은 음모와 편집증에 관한 것이며 너무 "지금 당장" 보입니다. Oswald 인물을 쏘거나 클린턴과 그녀가하고있는 Whitewater 사건과 같이이 즉각적인 주문을 유발하는 이러한 것들은 인물의 빠른 이미지와 신문 기사의 한 줄입니다. 미국 문화에서 이러한 편집증적인 경향을 달성하기 위해 정보를 분류하는 그녀의 능력입니다. 켈리, 그녀가 등장했을 때 그것은 소송을 통해서였습니다.

씨: 진짜?

DB: 예, 그녀는 사람들이 그녀를 대하는 방식에 대해 소송을 제기합니다. 어디까지나 제 추측이지만 아무리 생각해도이것 의사소통의 한 방식으로서 - 그것이 공개적으로 작동한다면, 그것은 법 체계를 통과할 것입니다 - 당신도 알다시피, 나는 지금도 그것을 계획하고 있습니다!

CT: 당신은 편집증입니다!

DB: 우리 모두라고 생각합니다.

Jeff Koons(b. York, Pennsylvania, 1955)는 1980년대 중반에 진공 청소기와 농구공으로 개념 조각을 만들어 유명해졌습니다. 휘트니 미국 미술관(Whitney Museum of American Art)이 "픽쳐 월드(Picture World)"라는 전시회를 위해 빌보드 크기의 작품을 만들도록 그를 초대했을 때 포스트모던 도발자는 자신과 나중에 결혼한 헝가리 이탈리아 포르노 스타 Ilona Staller의 거친 캔버스 프린트 사진을 보여주었습니다. 격렬한 섹스 엑스터시, 대량 영화 광고에서. 후속 시리즈인 메이드 인 헤븐은 1990년 베니스 비엔날레에서 데뷔했을 때 관객들을 놀라게 했습니다. "Ilona's Butt" 및 "Dirty Ejaculation"과 같은 설명적인 제목으로 사실적인 그림은 상상할 수 있는 모든 위치에서 부부를 묘사했습니다. 그들은 예술적 예의로 국가가 분단되었을 때, 성적으로 노골적인 작품에 대해 종교와 보수 세력이 연합했을 때 왔습니다. Koons는 그것이 자유의 탐구, 수치심의 기원에 대한 탐구, 재생산 행위의 축하, 심지어 초월의 비전이라고 주장했습니다. 1990년에 그는 "나는 음란물에 관심이 없습니다. 저는 영적인 것에 관심이 있습니다."라고 말했습니다. Koons는 아들 Ludwig를 위해 Staller와 오랜 양육권 싸움에서 시리즈의 일부를 파괴했습니다.

TLF: 돈은 또한 예술의 세계를 정의합니다. 이것을 반영하는 예술가들이 있지만 아무도 그들을 지명하지 않았습니다.

KT: 나는 우리 모두가 그것에 가지 않았다는 것이 매우 흥미롭다고 생각했습니다. 다양한 예술의 세계가 있습니다. 당신이 언급하는 사람은 그 중 하나입니다.

씨: 더 많은 상업 예술가를 목록에 올리지 않는 것에 대한 당신의 주장은 무엇입니까?

CT: 제 생각에는 예술이 그 이상이기 때문입니다. 이 수준에 있는 아티스트는 생성되는 예술의 아주 작은 비율을 차지합니다. 나는 이 직업으로 돌아가지 않고 자랐다.

티: 요즘 젊은 예술가들이 무의식적으로 혹은 묵묵히 "아, 이런 스튜디오를 만드는 데 정말 관심이 있지만, 그런 스튜디오를 만드는 데도 좀 더 엄격하고 실용적이고 싶다. 내 연습." 아니면 비밀리에 Jeff Koons에게 집착하고 있을지 모르지만 New York Times 인터뷰에서 그런 말은 하지 않을 것입니다. 이름은 밝히지 않겠지만 "이건 진짜야"라는 말은 충분히 들었습니다.

씨: 당신이 말하는 예술가를 한두 명 정도 말씀해 주시겠습니까?

TLF: 이름 이름.

티: 데미안 허스트가 그 예인가?

TLF: 데미안 허스트, 무라카미 다카시...

CT: 예, 우리는 Jeff Koons로 결정했습니다. 우리는 데미안 허스트에 정착했습니다.

씨: 우리는 해냈습니다.

티: 나는 제프를 데려왔다.

CT: 나는 그들이 존재한다고 생각합니다. 다른 아티스트들에 대한 대화가 되었으면 합니다. 데미안을 넣을 수 있습니다.

씨: 제 생각에는 Jeff Koons보다 더 합법적인 예술가입니다. 하지만 그건 나뿐이야, 미안.

TLF: 글쎄, 우리가 할 수 있다면 누구와 이야기하고 싶습니까?

KT: 나는 "Equilibrium"[증류수 탱크에 농구공이 매달린 것을 특징으로 하는 1980년대 중반의 일련의 작품]을 제프 쿤스(Jeff Koons)라면 고를 것입니다. 그것이 Damien Hirst였다면, 나는 "살아있는 누군가의 마음에 있는 죽음의 물리적 불가능성"[전시 케이스의 포름알데히드에 보관된 호랑이 상어로 구성된 1991년 단편]을 썼을 것입니다. '이퀄리브리엄'처럼 이 리스트에 있는 아티스트들에게 영향을 준 것은 정말 좋은 일인 것 같아요. 아마도 그들은 목록에 있어야합니다. 어쩌면 우리는 성실하지 못합니다. 나는 이것에 전적으로 동의합니다. 그들은 내 긴 목록에 있습니다. 그냥 벗었어요. 솔직히 말해서, 나는 다른 사람들과 다른 여성들에 대해 이야기하고 싶었습니다.

티: 난 당신을들을 수 있습니다. 동의합니다.

15. 마이크 켈리, 아레나스, 1990

십대 때 디트로이트 음악계에서 연주를 시작한 Mike Kelly(b. Wayne, Michigan, 1954; d. 2012)는 CalArts에 입학하기 위해 로스앤젤레스로 이사했습니다. 1990년 메트로 픽처스 갤러리에서 처음 전시된 11개의 경기장 각각에는 박제 동물과 기타 장난감이 혼자 앉아 있거나 더러운 담요 위에 소름 끼치는 그룹으로 앉아 있습니다. 하나는 pom-pom 꼬리가 부러진 손으로 만든 토끼가 열린 동의어 사전 앞에서 뜨개질을 한 아프가니스탄 사람에게 놓여 있습니다. 멀리서 두 개의 Reid 캔이 위협하는 것처럼 "의지"로 입구를 검사하는 것 같습니다. 다른 그림에서는 박제 표범이 검은색과 주황색의 베일 아래 불길한 덩어리 위에 놓여 있습니다. 작품은 변태, 수치심, 두려움, 취약성 및 파토스의 주제를 결합합니다. Kelly는 장난감이 아이들에 대한 것보다 어른들이 아이들을 보는 방식, 또는 보고 싶어하는 방식에 대해 더 많이 이야기한다고 느꼈기 때문에 장난감을 사용했습니다. 그는 한때 "허수아비는 가짜 아이"라며 "성인이 된 아이의 이상형인 유혹된 섹스리스 생물, 즉 거세된 애완동물"이라고 적었다. 그러나 Kelly의 배열에 있는 장난감은 바래고, 더럽고, 더럽고, 닳았습니다.

KT: Mike Kelly의 많은 작업이 수업과 폭력, 그리고 아이들이 적어도 십대일 때 이야기하고 생각하기 시작하는 다른 것들에 관한 것이라고 생각합니다. 이 일련의 작업은 너무 역겹습니다. 그것은 나에게 개인적으로 중요한 계시의 층을 가지고 있으며, 나이가 들면서 그것이 더 큰 영향을 미친다는 것을 깨달았습니다. 그리고 나는 오늘날 몇몇 젊은 예술가들의 작품에서 그것을 봅니다.

Felix Gonzalez-Torres(b. Cuba, 1957; d. 1996)는 1979년에 뉴욕에 왔습니다. 1991년 무제(로스앤젤레스 로스앤젤레스의 초상)를 만들 때 그는 연인 로스 레이콕의 죽음을 애도하고 있었다. 그 해 AIDS 관련 질병으로 사망한 사람입니다. 설치물에는 건강한 성인 남성의 체중과 유사한 밝은 셀로판지로 포장된 175파운드의 사탕이 이상적으로 포함됩니다. 관객은 더미에서 조각을 자유롭게 가져갈 수 있으며 전시가 진행되는 동안 Laycock의 몸과 마찬가지로 작품이 악화됩니다. 그러나 사탕은 직원에 의해 정기적으로 보충될 수도 있고 그렇지 않을 수도 있으며, 이는 죽음을 초래하는 동시에 영원과 재생을 초래합니다.

DB: 작업은 오늘날 우리가 있는 곳을 만지고 참여와 경험의 표현입니다. Gonzalez-Torres는 또한 책임에 대해 이야기합니다. 이상적인 체중으로 한 사람을 언급하고, 참여의 요소가 단지 일반적인 대중이 아니라, 지시 대상이 다른 사람일 뿐이라는 생각이 매우 깊다고 생각합니다.

RT: 에이즈에 대해 생각했습니다. 액트업 로고를 거의 인공물로 넣었습니다. 우리는 이 모든 조건을 건드리는 단순한 예술 이상의 예술 작품에 대해 이야기해야 합니다. 그런 면에서 굉장히 아름다운 것 같아요.

CT: 은유적으로 이 작품은 바이러스다. 그것은 소멸되어 다른 사람들의 몸으로 들어갑니다.

RT: 관객들이 진정으로 이해하고 있는지도 모르겠다. 그것은 일이다. 그들은 단지 사탕을 가져갑니다.

TLF: 물론 과자를 먹는 줄로만 알았다.

DB: 보충의 아이디어도 있습니다. 그는 다음날 돌아옵니다. 회복의 의무는 받을 의무와 매우 다릅니다. 사람은 살아남습니다. 시설이 채워지고 있습니다. 당신은 어느 날 떠나고 그것이 자신의 형태로 돌아가는 것을 알지 못할 수도 있습니다. 누가 알고 누가 모르느냐에 대한 이 생각이 그녀에게 중요하다고 생각합니다.

그녀의 Self-portrait/Cutting 사진에서 Katherine Opie(b. Sandusky, Ohio, 1961)는 보는 사람에게서 시선을 돌리고 맨손으로 집(어린이가 그릴 수 있는 보기)과 두 개의 막대기로 우리를 마주하고 있습니다. 치마에 인물이 새겨 져 있습니다. 손을 잡고 있는 인물들은 당시 레즈비언 커플의 꿈이었던 목가적인 가정의 꿈을 완성했다. 이 작품과 다른 작품들은 예술의 "외설"에 대한 전국적인 폭풍에 대응했습니다. 1989년 상원의원 Alphonse d'Amato와 Jesse Helms는 National Endowment for the Arts로부터 기금을 받은 순회 전시회의 일부인 Andrés Serrano의 소변에 담긴 십자가 사진인 "The Pissing Christ"를 비난했습니다. 몇 주 후, 워싱턴 DC의 Corcoran Gallery of Art는 Robert Mapplethorpe의 동성애 및 사도마조히즘 사진 전시회를 취소하기로 결정했으며, 그의 전시회도 펜실베니아 대학교 현대 미술 연구소에서 연방 기금을 받았습니다. 1990년에 4명의 예술가가 노골적인 섹슈얼리티, 트라우마 또는 복종이라는 주제 때문에 NEA의 자금 지원을 거부당했습니다. (대법원은 1998년 NEA의 헌장이 유효하며 예술가를 차별하거나 그들의 표현을 억압하지 않는다고 판결했다.) 오피는 이러한 작품을 창작하고 전시하면서 방랑자를 모욕하려는 자들에게 공개적으로 도전했다. 커뮤니티와 예술에서의 가시성을 검열합니다. 구겐하임의 경력에 ​​대한 2008년 Opie 회고전에서 타임즈의 미술 평론가 Holland Kotter는 "그녀는 내부자이자 외부자입니다. “Opie는 다큐멘터리 작가이자 도발사입니다. 고전주의자와 개인주의자; 트레커와 홈바디; 주류 게이 운동에 저항하는 레즈비언 페미니스트 어머니; 미국인 - 출생지: 오하이오 주 샌더스키 - 그녀의 국가 및 문화와 심각한 분쟁을 겪고 있습니다."

DB: 이 친밀함의 문제 - 내 몸으로 하는 일과 내가 가족을 꾸리는 방법을 누가 통제하려고 하는지 - 우리가 이 작업 중 일부가 지금 어떻게 들리는지 생각하면 이 모든 문제는 통합됩니다. 이것들은 여전히 ​​우리가 시급히 처리하는 것들입니다. 엄마가 되고 아이를 키우는 일은 깊숙한 곳에서 일하고 있습니다. 이렇게 자신의 카메라에 자신을 드러내는 취약성은 골딘의 작업에서도 대단하다고 생각합니다. 그것은 누가 내 세계이고 내가 그 일부가 되고 싶은가에 대한 질문입니다.

씨.: 두 경우 모두나와 그들에 대해 그리고 그것은 여성들이 가져온 거대한 것입니다. AIDS 위기 동안 저에 대한 글이 많았지만 Cathy와 Nan은 정말 큰 변화를 가져왔습니다.

KT: 또한 Nan과 함께 이 커뮤니티 아이디어는 협업의 의미입니다. 사진을 찍어주는 포토그래퍼와 달리와 함께 당신 자신.

Lutz Bacher(b. United States, 1943; d. 2019)는 쉽게 검색할 수 있는 전기 및 온라인 프로필 시대에 변칙적인 사람입니다. 작가는 그녀의 원래 이름을 가리는 가명을 사용했습니다. 그녀의 얼굴 사진은 거의 없습니다. 아마도 그렇기 때문에 Bacher의 많은 작업이 노출, 가시성 및 개인 정보 보호 문제에 초점을 맞추는 것이 놀라운 일이 아닙니다. 1997년 1월 22일 그녀를 대리한 저명한 미술품 딜러 Peer Hearn이 간암 진단을 받은 후 Bacher는 Hearn의 책상 위에 카메라를 설치하고 10개월 동안 연속 촬영했습니다. 우리는 Hearn이 예술가들과 어떻게 앉고, 부르고, 만나는지 봅니다. Hearn은 그녀의 병이 악화됨에 따라 프레임에서 점점 더 적게 나타납니다. Bacher는 2000년 딜러가 사망한 후 1,200시간 분량의 비디오를 40분 길이의 비디오 영상으로 편집하여 갤러리 내부 작업에 대한 특이한 창을 만들었습니다.

TLF: 여기 내가 관심을 갖고 있는 것이 있습니다. Cady Noland, Lutz Bacher 및 Sturtevant - 파악하기 어려운 것은 한 단어이고 익명은 다른 것입니다. 사람들. 연예인들이 많은 시대에 울림이 있는 게 흥미롭다.

CT: 나는 Lutz가 도피적인 적이 없다고 생각합니다.

씨: 나도 그렇게 생각하지 않는다.

TLF: 글쎄, 실제로 이름을 지은 적이 없다.

씨: 별명.

CT: 그녀에게는 이름이 있었다. 루츠였습니다.

티: 그러나 온라인에는 수백 명의 다른 사람과 비교한 그녀의 이미지가 단 두 개뿐입니다. 일을 제대로 하기 위해 존재해야 한다는 압박감은 내가 자주 듣는 말이다.

씨: 잭슨 폴록이 라이프 잡지에 실렸을 때 무슨 일이 일어났는지 보세요. 추상 표현주의자들은 확실히 낙인 찍히는 것을 원하지 않았습니다. 최근에는 큐레이터들이 "사진에 라벨을 붙이세요"와 같은 미친 질문을 하기 시작했습니다. 고맙지 만 사양 할게. 타임즈 기자들은 이제 그들의 전기에 사진이 거의 없습니다. 우리가 직업 자체를 기억하지 못하기 때문에 모두 개인화되었습니다.

19. 마이클 애셔, "마이클 애셔", 산타모니카 미술관, 2008

마이클 애셔(Michael Asher, b. Los Angeles, 1943; d. 2012)는 각 갤러리 또는 박물관 공간에 해당 사이트의 건축적 또는 추상적 특성을 조명하는 사이트 특정 작업으로 응답하는 데 경력을 보냈습니다. 2001년 산타모니카 미술관(현 로스엔젤레스 현대미술관)이 전시를 기획하기 위해 개념 예술가에게 접근했을 때, 그는 미술관의 역사를 파헤쳐 모든 임시 벽의 나무 또는 금속 프레임을 재창조했습니다. 38개의 이전 전시회를 위해 만들어졌습니다.그 결과 시간과 공간을 효과적으로 파괴하고 박물관 역사의 여러 장을 현재로 가져오는 카네이션의 미로가 탄생했습니다. 이 작업은 40년 이상 동안 그의 독특한 작업을 특징으로 합니다. 1970년 Usscher는 캘리포니아 클레어몬트에 있는 Pomona College의 전시 공간의 모든 문을 제거하여 빛, 공기 및 소리가 갤러리에 들어갈 수 있도록 하여 관객의 관심을 끌었습니다. 일반적으로 폐쇄된 장소 - 문자 그대로 및 비유적으로 - 외부 세계에서; 파리의 퐁피두 센터에서 열린 1991년 전시에서 그는 책갈피를 포함하여 남은 종이 조각에 대해 박물관 도서관의 "정신분석"에 보관된 모든 책을 검색했습니다. 1999년에 그는 뉴욕 현대 미술관이 설립된 이래로 존재하지 않게 된 거의 모든 예술 작품을 나열한 책을 만들었습니다. 기밀 정보는 거의 공개되지 않았습니다.

20. A. K. 번스와 A. L. 스타이너, 커뮤니티 액션 센터, 2010

«Public Action Center”는 예술가 A. Burns(b. Capitola, CA, 1975)와 A. Steiner(b. Miami, 1967)와 그들의 친구들이 상상하는 69분짜리 에로틱 게임입니다. 섹슈얼리티는 장난기뿐 아니라 정치적인 것이기도 하다. 우리는 세대에 걸쳐 다양한 배우들이 페인트, 달걀 노른자, 세차장, 옥수수 속 옥수수를 포함하여 개인적이며 공유하는 즐거움의 즐거운 쾌락주의적 행위에 참여하는 것을 봅니다. 비디오는 카바레 스타 Justin Vivian Bond가 Jack Smith의 실험 영화 Normal Love의 대사를 낭독하는 것으로 시작되지만 그 외에는 대화가 거의 없습니다. 대신, 대여 및 대여 카메라에서 의식하지 않은 친밀감으로 촬영된 몽환적인 영상과 그것이 불러일으키는 내면의 감정에 초점을 맞춥니다. 커뮤니티 액션 센터는 남성의 욕망이나 만족을 언급하지 않는 드문 사기이며, 활동가이자 예술가인 Steiner와 Burns가 이를 "사회성적"이라고 부르는 이유 중 일부입니다. 그러나 관능을 희생시키면서 급진적인 정치는 필요하지 않습니다. 놀리는 부분입니다.

CT: 이것도 매우 중요한 작업입니다.

TLF: 나는 그것을 보지 못했다

KT: 그들은 본질적으로 포르노를 만들기 위해 이 프로젝트를 주도했지만 퀴어 커뮤니티의 모든 종류의 사람들과 함께 하는 것보다 훨씬 더 많습니다. 현재 작업을 하고 있고 눈에 잘 띄는 아티스트가 너무 많이 포함되어 있습니다. 하지만 그것은 모두 당신의 몸을 보여주고, 당신의 섹슈얼리티를 보여주고, 당신의 몸을 공유하고, 당신의 섹슈얼리티를 공유하고, 불을 붙이고, 하는 방법을 알아내는 것이 전부였습니다. 진지하게, 뮤지션들과 콜라보레이션. 이것은 대화를 열었던 순간의 미친 문서입니다.

Dan Wo(b. Vietnam, 1975)는 1979년 사이공 함락 후 가족과 함께 덴마크로 이주했습니다. 자유의 여신상을 실물 크기로 놋쇠로 복제한 We People은 아마도 그의 가장 야심찬 작품일 것입니다. 상하이에서 제작된 이 거대한 피규어는 전 세계의 공공 및 개인 컬렉션에 흩어져 있는 약 250개의 예에 존재합니다. 전체를 조립하거나 전시하지 않습니다. 조각난 상태에서 Waugh의 동상은 서방 외교 정책의 위선과 모순을 지적합니다. 1886년에 프랑스가 미국에 헌정한 선물인 원래 기념물은 자유와 민주주의의 축하로 예고되었으며, 양국이 다른 나라를 다룰 때 기꺼이 무시해 온 가치입니다. 봉헌식 당시 프랑스는 베트남을 포함한 아프리카와 아시아에서 식민지를 점령했고, 하노이의 탑루아(거북탑) 사원 지붕에 미니어처 버전의 동상이 설치되었습니다. 미국은 나중에 공산주의로부터 민주주의를 수호하기 위해 전쟁을 치르면서 보의 본국에 있는 프랑스군에 재정적 지원을 제공했습니다. 물론 그때까지 자유의 여신상은 수백만 명의 미국 이민자를 환영했고 아메리칸 드림의 상징이 되었습니다. 현재 미국-멕시코 국경에서 이민에 대한 잔인한 단속 이후, Waugh의 조각난 아이콘이 더 우울하게 느껴진 적이 없습니다. 자유의 여신상은 수백만 명의 미국 이민자를 환영했으며 아메리칸 드림의 상징이 되었습니다. 현재 미국-멕시코 국경에서 이민에 대한 잔인한 단속 이후, Waugh의 조각난 아이콘이 더 우울하게 느껴진 적이 없습니다. 자유의 여신상은 수백만 명의 미국 이민자를 환영했으며 아메리칸 드림의 상징이 되었습니다. 현재 미국-멕시코 국경에서 이민에 대한 잔인한 단속 이후, Waugh의 조각난 아이콘이 더 우울하게 느껴진 적이 없습니다.

DB: 걸작이라는 개념을 완전히 없애버리기 때문에 선택했습니다. 이것은 많은 의미를 가진 하나의 동상이지만 완전히 배포됩니다. 부품은 중국산이죠?

RT: 예.

DB: 따라서 미국과 동의어인 이 실체가 이제 미래의 초강대국이 될 것이라는 아이디어도 있습니다. 그것은 다른 미래가 무엇인지 알려주고 "현대성"이 완전한 무지라는 생각으로 돌아갑니다. 우리는 지옥 "현대"가 무엇을 의미하는지 모릅니다. 그리고 나는 어떤 면에서 이 작업들이 이러한 무지가 우리가 시작하는 곳임을 확인시켜준다고 생각합니다.

CT: V 이 작품에는 너무나 많은 폭력과 분노가 있었다. 분노는 지금 예술가들이 하는 작업의 큰 부분입니다. 모두가 느끼고 있습니다. 특히 실향민의 분노입니다. 이 아이디어는 우리가 한 국가로서 전 세계에서 한 일에 관한 것입니다.

1994년부터 24세의 Kara Walker(b. Stockton, California, 1969). 그녀는 농장의 야만성을 묘사한 컷-페이퍼 설치로 처음으로 시청자들에게 깊은 인상을 주었고, 그녀는 이 나라의 오랜 인종 폭력의 역사에 대해 이야기했습니다. 2014년 Walker는 백설탕으로 코팅된 기념비적인 폴리스티렌 스핑크스인 Subtlety를 만들었습니다. 이 조각은 브루클린에 있는 Domino Sugar Mill의 거대한 홀을 지배했으며, 얼마 지나지 않아 대부분의 공장이 콘도미니엄으로 철거되었습니다. 백인 노예 소유자의 검은 종이 실루엣과 대조적으로 Walker는 거대한 흰색 조각품에 머리 스카프를 두른 전형적인 흑인 "엄마"의 특징을 주었습니다. 이미지는 당밀 브랜드가 제품을 판매하는 데 사용했습니다. 워커의 스핑크스는 고대 이집트에서도 강제 노동을 일으키고 있습니다. 그는 “나만의 삶, 세상을 움직이는 나만의 방식으로 과거와 현재를 구분하기 어렵다”고 말했다. "모든 것이 한 번에 나를 공격하는 것 같습니다."

씨: '교묘함'은 젠트리피케이션이 임박한 곳에서 노동과 설탕의 역사에 대한 이야기였기 때문에 많은 사람들을 화나게 했다. 그것은 거대하고, 엄마 같은, 스핑크스, 여성 물체였습니다. 그리고 그것은 이 작은 녹는 아기들을 모두 가지고 있었습니다. "미묘함"은 아랍 세계에서 시작된 매우 오랜 전통의 일부이며 설탕뿐만 아니라 찰흙으로 물건을 만드는 것과 관련이 있습니다. 따라서 채굴 비용에 영향을 미치지만 노예 노동에도 영향을 미칩니다. 이또한임금노예가 발생한 곳 - 설탕 노동이 최악이었습니다. Domino Sugar Mill은 한때 Havemeyers가 소유했으며 Henry Havemeyer는 메트로폴리탄 미술관의 주요 후원자 중 하나였습니다. 설탕의 왕은 예술의 왕이었다. 그래서 그는 이 모든 것을 가지고 있었습니다. 그리고 이 모든 사람들이 그의 앞에서 셀카를 찍고 있다는 생각이 있습니다. 두말할 나위 없이 훌륭했다.

TLF: 마사, 판도를 바꾸는 걸작에 대한 아이디어에 반대한다고 이메일을 보냈습니다. 기록으로 남겨야 한다고 생각했습니다.

씨: 나는 현대에 고립된 작업에 대해 이야기하는 것이 무의미하다고 말할 수 있어서 기쁩니다. 왜냐하면 일단 작업이 주목되면 모든 사람들은 그 사람이 전에 무엇을 했는지, 누가 옆에 있었는지 알아차리기 때문입니다. 예술은 고립되어 만들어지지 않습니다. 이것은 저를 "천재"로 인도합니다. 걸작과 천재는 함께 갑니다.이것은 여성 예술가의 첫 번째 공격 중 하나였습니다. 우리가 Mike Kelly의 작업을 존중하는 한, 그는 항상 그가 한 모든 것이 로스앤젤레스의 페미니스트들이 이전에 한 일에 달려 있다고 말했습니다. 나는 그가 낙담, 고통, 모욕이 예술에서 주목할만한 가치가 있다는 것을 의미했다고 생각합니다. 그리고 그것은 아마도 Paul McCarthy를 제외하고는 그 시점에서 아무도 하지 않았을 일이었습니다. 걸작에 대한 아이디어는 매우 환원적입니다.

CT: 이것은 이에 대해 의문을 제기할 책임이 있다는 좋은 질문을 제기합니다. 그렇게 될 것인가?

티: 아니요, 하지만 "현대를 정의하는" 작품을 나열한다고 해서 반드시 걸작이어야 하는 것은 아닙니다.

씨: 글쎄 그럴지도 몰라나쁜 걸작. Dana Schutz[Emmett Till의 훼손된 시신이 그의 관에 린치된 사진을 기반으로 한 논란의 여지가 있는 2016년 작품의 저자]라고 말할 수 있습니다. 그러나 소유권 문제는 Sherry Levine과 Walker Evans의 작업으로 돌아갑니다. 이미지의 소유권은 무엇입니까? 사진 복제란 무엇입니까? 80년대의 문화 전쟁은 크라이스트 피스든 로버트 메이플소프든 모두 사진에 의존했고 우리는 여전히 그런 것들과 씨름하고 있습니다. 우리는 그들에 대해 이야기하고 싶지 않습니다. 여기에 Mapplethorpe라는 이름을 가진 사람이 없습니다. 흥미롭습니다.

CT: 그것에 대해 생각했다.

씨: 우리는 예술 세계에서 사진을 정말 싫어하기 때문에 아무도 William Eggleston에 대해 언급하지 않았습니다. Susan Meiselas라는 이름을 가진 사람은 아무도 없습니다. 우리는 항상 사진이 다른 것, 즉 예술이기를 원합니다. 실제로 Cindy Sherman의 "Untitled Film Shots"에 대해 말씀하신 것입니다. 우리는 그것이 정확히 사진이 아니라는 것을 압니다. 나는 항상 예술이 "예, 하지만 그것은 정체성, 형성 또는 인식을 위해 정말 중요했습니다." 항상 주제입니다. 결코 형식적이지 않습니다.

탄생은 대관식 이후의 순간을 포착한 신혜지(b. Seoul, South Korea, 1976)의 7장의 사진 '아기'의 주제이다. Shin은 뜨거운 붉은 빛으로 부인할 수 없을 정도로 피투성이의 일부 장면을 비춥니다. 다른 사진들은 거의 조명이 들어오지 않았고, 거의 태어날 뻔한 이들의 주름진 얼굴이 위협적인 검은 그림자 속에서 드러난다. 이 사진들은 우리가 공유하는 인간성을 떠올리게 할 수 있지만 감상적이거나 축하적이지 않습니다. 그 중 일부는 완전히 무섭습니다. 그 복잡성은 Beefcake 경찰로 분장한 조각난 남성의 포르노 사진부터 도널드 트럼프와 래퍼의 선동적인 대화 직후 데뷔한 Kanye West의 거대한 초상화에 이르기까지 Sheen의 작업의 핵심입니다. (2019 휘트니 비엔날레에는 Kanye의 두 초상화와 다섯 명의 아기가 등장했습니다.) 정치적 예술이 도처에 있는 시대에 젊은 예술가들이 예상대로 왼손잡이 시청자들에게 그들이 듣고 싶어하는 것을 정확히 말하고 있을 때 Sheen은 탁월합니다. 그녀의 사진은 어떤 질문에도 대답하지 않습니다. 대신, 그들은 청중에게 많은 것을 요구합니다.

티: 나는 "아기" 사진에 푹 빠졌습니다. 내 말은, 나는 나 자신을 원했습니다. 하지만 내 파트너는 "음, 뭐..."라고 말했습니다. "임신한 것을 보았는데, 무슨 차이가 있죠?"

CT: "아이가 이걸 할 수 있을까?"

티: 또는 실제로는 아니지만: 미학적으로 이해하고 사진에 관심이 있습니다. 하지만 그것이 무엇을 말하고 무엇을 합니까?

CT: 아무도 이 작품을 보고 싶어하지 않습니다. 아무도 이 행위를 보고 싶어하지 않습니다. 아무도 모성에 대해 이야기하고 싶어하지 않습니다. 아무도 그런 여자를보고 싶어하지 않습니다. 아무도 그런 질을보고 싶어하지 않습니다. 아무도 이렇게 생긴 사람을 보고 싶어하지 않습니다. 나는 이 작품에 뭔가 생소하고 역겹고 대담한 것이 있다고 생각합니다.

24. Cameron Rowland, 뉴욕주 통합 법원 시스템, 2016

뉴욕에 기반을 둔 비영리 Artists Space의 "91020000"이라는 많이 논의된 2016년 전시회에서 Cameron Rowland(b. 필라델피아, 1988)는 가구 및 기타 품목을 선보였습니다. 종종 시간당 1달러 미만으로 작업했습니다. 대량 감금 역학에 대한 각주 연구. 뉴욕주 교정국은 정부 기관 및 비영리 단체에 Corcraft 브랜드 이름으로 이러한 제품을 판매합니다. Artists Space는 벤치, 맨홀 덮개, 소방관 유니폼, 금속 막대 및 전시회에 포함된 기타 품목을 구입할 권리가 있었으며 Rowland는 판매하는 대신 수집가와 박물관에 임대했습니다. 여분의 설치물은 미니멀리스트 조각가 Donald Judd를 떠올리게 하는 반면 Rowland의 개념주의와 인종적 불의에 대한 강조에 대한 정치적 동기 접근 방식은 Cara Walker와 미국의 조명 및 텍스트 예술가 Glenn Lygon과 비교됩니다. New Yorker는 Rowland의 예술적 혈통을 "Duchamp, via Angela Davis"로 추적했습니다.

TT: 일 Cameron Rowland는 예술로 간주되는 것의 가장자리에 있습니다. 당신은 감옥 물품을 구매하기 위해 카탈로그를 신청하고 있습니다. 그는 대부분의 일을 하는데, 나는 어떻게 하는지조차 이해하지 못합니다. 나는 여전히 질문이 많고 우리는 친구입니다. 그것은 내가 정말로 흥미롭고 동시에 혼란스럽게 생각하는 새로운 부가 정보의 풀이입니다.

25. Arthur Jafa, "사랑은 메시지이고 메시지는 죽음입니다", 2016

고통받는 이미지부터 화장실 셀카까지 엄청난 양의 이미지가 공감을 배제할 위기에 처한 시기에 Arthur Jafa의 7분 30초 길이의 비디오 "사랑은 메시지이고 메시지는 죽음입니다." 무관심에 대한 깊은 해독제. 클립, TV 쇼, 뮤직 비디오 및 개인 영상을 통해 Jafa(b. Tupelo, Ms., 1960)는 미국 흑인 생활의 승리와 공포를 묘사합니다. Martin Luther King Jr. 목사와 Miles Davis가 보입니다. 캠 뉴턴이 터치다운에서 승리하기 위해 경주하는 텍사스 경찰은 10대 소녀를 땅에 쾅쾅 친다. 버락 오바마는 백인 우월주의자에 의해 9명이 사망한 찰스턴 교회에서 "어메이징 그레이스"를 부른다. 그리고 그녀의 결혼식 날에 Jafa의 딸. 이 영화는 도널드 트럼프가 2016년 11월 대통령 선거에서 승리한 직후 개빈 브라운의 할렘 시설에서 장편 영화 데뷔를 했습니다. Jafa는 Kanye West의 복음 찬송가 "Superlight Beam"에서 영감을 받은 외관을 설치했습니다.

TLF: 어떤 면에서는 Jafa라는 단어를 사용하면 더 유명해 보입니다. 그는 다른 세계로 건너갑니다.

티: 그것은 David Hammons에게 돌아갑니다. 왜냐하면 저는 Kanye에서 만든 [Adidas Yeezy] 운동화를 버렸기 때문입니다. [West는 2018년 10월 백악관을 방문했을 때 트럼프 대통령에게 구두 지원을 제공하고 Make America Great Again 야구 모자를 착용함으로써 많은 팬들을 소외시켰습니다.]

CT: 그렇다면 이 작업을 어떻게 정당화합니까? 당신은 여전히 ​​Arthur Jafa를 목록에 올려놓았고 그것이 내가 정말로 관심을 갖고 있는 것입니다.

티: 그렇지 않기 때문에나의 목록. '이것이 모던하다'고 생각했다. 그리고 좋은 작품이 문제가 될 수 있다고 생각합니다. 예술은 문제를 초월하거나 복잡하게 만들 수 있는 몇 안 되는 것 중 하나입니다. 사랑은 메시지는 여전히 아주 좋은 예술 작품일 수 있고 나는 그것에 대한 Arthur Jafa의 접근 방식에 동의하지 않을 수 있습니다. 아무도 하지 않았습니다. 역사상 그런 비디오를 만든 사람은 아무도 없습니다. 약간 뒤로 이동하더라도 여전히 앞으로 이동합니다.

DB: Artur Jafa는 바로 여기 앉아 있는 Marta Rosler부터 러시아 전위 예술계에서 나온 초기 예술가에 이르기까지 콜라주 및 포토몽타주 아티스트 라인에서 나온 것 같습니다. 관점. 각 이미지나 음악은 그 자체로는 아무 의미가 없습니다. 의미가 함께 오는 병치에 있습니다.이 연극에서 흥미로운 점은 그것이 얼마나 매혹적일 수 있는지, 그리고 어떤 면에서는 일부 이미지의 잔혹성 때문에 우리로 하여금 그 매혹적인 특성에 저항하게 만듭니다.