미니멀리즘의 장르는 회화, 음악, 문학 등 다양한 형태의 예술에서 드러난다. 그것은 XX세기의 60년대에 시작되었으며 추상 표현주의에 대한 응답으로 등장했습니다. 미니멀리스트들은 추상표현주의의 표현적 특징에서 벗어나려고 했으며, 이는 예술 자체의 본질을 얕잡아보고 너무 거창한 작업이라고 생각했기 때문입니다. 그에 반해 미니멀리즘 장르의 작가들은 단순한 선과 도형으로 그림을 그리려고 했다. 미니멀리즘은 보는 사람의 눈으로 작품을 해석하는 것이 특징입니다. 특히 이 작품에서는 복잡한 오브제, 자기표현 수단, 전기, 사회 프로그램이 모두 제거된다. 보는 사람은 그림을 있는 그대로 봐야 합니다. 처녀의 아름다움과 정직함으로 가득 찬 그림입니다.
기본 요소에 대한 강한 강조로 인해 미니멀리즘의 장르는 ABC 아트로 알려졌습니다. 가장 눈에 띄는 미니멀리스트는 대부분 조각가였지만 미니멀리즘은 본질적으로 조경 디자인의 한 분야인 풍경 형태로 예술을 창조하는 것을 목표로 하는 장르의 파생물인 Land Art에서도 만연했습니다.
미니멀리즘 역시 빛과 공간의 움직임에 초점을 맞추지만, 이 장르의 많은 작가들은 작업에서 공허함을 표현하려고 한다.
미니멀리즘은 아시아에서 시작되었다고 믿었습니다. 아그네스 마르틴(Agnes Martin)이 예시한 것처럼 많은 서양 예술가들의 작품에서 선불교는 엄청난 영향을 미쳤습니다. 방대한 양의 미니멀리스트 예술가들은 힌두교 경전에서 차용한 "공허함"의 개념에 영향을 받았습니다. 모노하는 아시아에서 가장 큰 미니멀리즘 운동 중 하나였습니다. 그것은 일본 최초의 국제적으로 인정된 현대 미술 운동이었습니다. "사물의 학교"라고도 불리는 모노하는 XX 세기의 60년대 중반에 시작되어 혁신적인 예술 운동이 되었습니다. 이 그룹은 Li Ufang과 Nobuo Sekine이 이끌었습니다. 활동을 "비창의성" 활동으로 지정한 유일한 협회였습니다. 그러한 그룹은 대표성에 대한 전통적인 아이디어를 거부했습니다. 그들의 염원은 서구의 미니멀리즘 경향과 마찬가지로 재료와 그 속성이 상호작용하여 세상을 드러내는 것이었습니다.
우리는이 장르에 속하는 것을 강조하면서 가장 유명한 미니멀리스트 예술 작품을 볼 수 있도록 제안합니다. 또한 일반적으로 예술에 대한 전통적인 생각을 파괴하는 그림과 조각품이 제공됩니다.
Frank Stella "하늘을 향한 배너!" (1995)
화가이자 조각가이자 판화 제작자인 Frank Stella는 오늘날 가장 영향력 있는 미국 예술가 중 한 명으로 여겨집니다. 줄무늬가 가득한 그의 그림과 웅장한 판화는 미니멀리즘의 세계뿐만 아니라 추상화의 세계에도 혁명을 일으켰습니다. 저자는 자신의 작업에 가장 큰 영향을 미친 사람이 추상 예술가인 폴록과 클라인이라고 말합니다. 그러나 운명의 의지에 따라 Frank Stella는 미니멀리즘의 창시자가 되었습니다.
"배너 업!" 나치의 행진곡에서 따온 이름이지만, 그림의 이름을 제외한 모든 것은 의미가 없어 보인다. 이 작업은 스텔라의 어두운 작업의 큰 주기의 일부입니다. 그림에서 선명하게 보이는 밝은 선은 넓은 검은 줄무늬 사이에 남겨진 처리되지 않은 캔버스에 불과합니다. 이 모노크롬 작품은 추상적인 움직임에 도전하는 가장 유명한 그림 중 하나이다.
로버트 모리스, 무제 (거울 큐브) (1965/71)
로버트 모리스의 '무제(Mirror Cubes)'는 그가 미니멀리즘 장르의 창시자일 뿐만 아니라 개념적 장르의 창시자임을 드러낸다. 작가는 발레단과 함께 공연을 하던 중 장식으로 사용되는 합판으로 만든 커다란 회색 상자를 발견했다. 그의 작업에서 그는 이러한 상자를 거울로 덮음으로써 인식 방식을 변경하고 단순한 회색 큐브에 새로운 시각적 속성을 추가했습니다. 구성은 뷰어와 대상의 직접적인 상호 작용을 목표로합니다. 거울 큐브 사이를 걷는 뷰어는 무의식적으로 자신과 충돌하고 생각으로는 혼자이지만 모든 사람과 혼자인 것처럼 남아 있습니다. 예술 작품을 감상하는 행위는 탐색 행위에 의해 갑자기 중단된다. 갤러리 공간의 "침략"이 발생하는 것은 이러한 기반에서 발생합니다. 사람은 보이는 것 너머에 있는 예술의 존재를 느끼기 시작합니다.
아그네스 마틴, 백 투 더 월드(1997)
Agnes Martin은 사물을 전혀 묘사하지 않는 그림을 그렸지만 그 이름은 자연의 강한 매력을 강조했습니다. Martin의 작업은 미니멀리즘과 배색이 결합된 그리드로 인정받았습니다. 그리드는 캔버스의 공간을 구성하는 데 사용되었습니다. 그녀는 미묘한 색 구성표로 끝없이 다양한 진정 작품을 만드는 데 도움을 주었습니다.
선불교와 도교의 영향을 크게 받은 Martin은 평생 동안 세상과 매우 단절되어 있었으며 심지어 뉴멕시코에 살았습니다. 40세에 정신분열증 진단을 받았습니다. "Back to the World"는 그녀의 90세 삶에 쓰여졌습니다. 당시 그녀는 요양원에 있었다. 파란색, 복숭아색, 노란색의 줄무늬는 여전히 부패가 가득한 세상에서 예술의 독점성을 강조하기 위해 캔버스 크기를 덜 다루기 쉽게 줄였습니다.
Ellsworth Kelly, 빨강, 노랑, 파랑 II (1953)
제2차 세계 대전 중 복무는 Ellsworth Kelly에게 분명한 영향을 미쳤습니다. 어떻게 보면 자연과 건축의 관찰로 활용되다가 실제로 적용되기도 했다. 작가의 추상화에 대한 주의 깊은 연구와 그의 작품에 적용한 추상화는 미니멀리즘을 발전시켰습니다. 일련의 그림 "빨간색, 노란색, 파란색"은 회화 방식에 영향을 미쳤습니다. Kelly가 흑백 색상 스펙트럼, 임의성 및 다중 패널 구성의 무한한 가능성을 발견하자마자 만들어졌습니다.
Red Yellow Blue II는 7개의 패널로 구성됩니다. 중앙의 검은색 패널은 분할 패널이자 양쪽에 세 개의 패널입니다. 끝에 있는 파란색 패널은 Kelly의 구성을 강조합니다. 그의 최고의 작품 중 하나로 꼽히는 이 작품은 파리 체류 기간 동안의 가장 큰 작품이기도 하다.
솔 레빗, 페인티드 월즈
솔 레빗은 40년 동안 1,350개의 벽을 그렸고 그 중 3,500개는 1,200개 사이트에 설치되었습니다. 블랙 슬레이트를 사용한 직선 스트라이프부터 다양한 색상의 물결선, 단색 기하학적 형태 및 아크릴로 칠해진 밝은 공간까지 디자인이 완전히 다릅니다. 작가는 창작자 자신의 손이 갖는 전통적인 중요성을 거부하여 자신의 예술 작품을 창작하는 데 다른 사람들을 도울 수 있도록 했습니다. 그의 벽화는 그들이 차지하는 공간의 형태를 취했기 때문에 건축과 예술 분야에서 연구를 받았다.
레빗은 2007년 세상을 떠났지만 그의 작품에는 작가의 정신이 깃들어 있기 때문에 여전히 살아 숨쉬고 있다. 요즘에는 자신의 벽화를 재현하는 것을 거부하여 전 세계의 벽을 장식하는 것을 거부하는 예술가들이 있습니다.
주디 시카고, 레인보우 피켓 (1965)
Rainbow Picket은 방 크기의 설치물입니다. 색상과 길이가 다른 6개의 사다리꼴로 구성되어 있습니다. 이 작품은 로스앤젤레스 롤프 넬슨 갤러리에서 열린 첫 개인전(1966년 1월)에 이어 유대인 박물관에서 열린 기초전 "기본 구조"에서도 전시됐다.저명한 평론가인 클레멘트 그린버그(Clement Greenberg)는 이 작품을 이 분야에서 최고로 꼽았다. 2004년 레인보우 피켓이 재건되었고, 이후에 라모카 "Minimalistic Future?"의 상징이 되었습니다. 오브제로서의 예술(1958-1968) ".
이와 같은 작품을 만들고 자신이 만든 공간 패턴과 구성으로 색상의 가능성을 테스트함으로써 Judy Chicago는 미니멀리스트 장르의 혁신가로 명성을 얻었습니다.
댄 플래빈, "무제(해롤드 요아킴 이후) 3"(1977)
"무제(해롤드 요아킴 이후) 3"은 댄 플래빈의 많은 작품 중 하나입니다. LED 램프와 금속 클립으로 구성되어 있습니다. 저자는 30년 동안 형광등의 가능성을 연구하면서 상업적으로 이용 가능한 재료로만 작업했습니다. 추상 표현주의의 개념을 포기한 Flavin은 그러한 장비를 사용하기 시작하여 고급 예술의 세계에 도입했습니다. 언뜻 보기에는 작업이 최대한 단순해 보이지만 자세히 보면 작업의 깊은 정교함을 알 수 있습니다.
Flavin의 작품은 빛의 유희와 다양한 색상 팔레트 덕분에 자신이 위치한 공간을 넘어서는 경향이 있습니다. 이 오브제들은 관람객이 LED의 따뜻한 빛에 몸을 담그고 특정한 분위기를 연출할 수 있도록 합니다.
에바 헤세, "이름 없는 작품(로프 조각)"(1970)
에바 헤세는 독일에서 태어났습니다. 우리는 이제 그녀를 라텍스, 유리 섬유 및 플라스틱으로 작업하는 혁신적인 미국 조각가로 알고 있습니다. 그녀는 XX 세기의 60 년대에 포스트 미니멀리즘 발전의 토대를 마련했습니다. 저자는 훨씬 더 많은 것을 위해 삽화에 사용하기 위해 가장 단순한 재료의 속성을 탐구했습니다.
헤세가 이미 임종 직전인 1970년 작품 '이름 없는 작품'은 동료들의 도움으로 완성됐다. 전시품은 로프, 낚싯줄, 철사 위에 늘어진 라텍스를 천정에 매달아 만든 것입니다. 그것은 공간에서 얽힌 패턴을 시뮬레이션합니다. 헤세는 미니멀리즘의 전통적인 깔끔함에서 벗어났지만, 그녀의 소재 표현 방식은 장르 내에서 인식됩니다.
도널드 저드, 제목 없는 직업 (1980)
Donald Judd는 미니멀리즘과의 연관성을 강력하게 부인합니다. 그럼에도 불구하고 그는 창립자 중 한 명입니다. 20세기의 60년대 초반에 작가는 유럽의 예술적 가치에 대한 적개심을 발견하고 조각가의 작업에서 멀어지고 위의 예술 분야에 귀속될 수 없는 작품을 만들기 시작했습니다. 그의 작품은 뉴욕의 Major Structures에서도 전시되었습니다.
1980년대에 Judd는 매달린 수직 선반을 만들기 시작했습니다. 이에 대한 예는 "제목 없는 작업"(1980)입니다. 지금까지 이러한 유형의 작업은 회화에 기인할 수 없습니다. 조각품이 아닙니다. 작품은 알루미늄과 플렉시 유리의 두 가지 유형의 재료로 만들어집니다. 이는 보는 이로 하여금 예술의 모순적 본질에 대해 생각하게 하기 위함이다. 측면에서 바라보는 불투명하고 강박적인 인물들은 전면 공간의 깊이와 연결된다.
다음을 시청하는 것이 좋습니다.
미니멀리즘에 대한 일반적인 이해, 박물관에서 전시되는 이유. 미니멀리즘이 어떻게 발전하기 시작했고 그것이 우리 삶에 어떤 영향을 미쳤는지!
